Путь на сайте

Европейское искусство XIX-XX веков

Первые живописные произведения человечества были очень схематичными. Изображаемые предметы были чрезвычайно условными, контурными. Отдельные части тела были непропорциональными. Зачастую невозможно отличить одно животное от другого, а орудия охоты или предметы быта до сих пор заставляют археологов спорить, что же на рисунке изображено.

Постепенно искусство совершенствовалось. Художники научились изображать живые существа в движении, человеческое лицо стало приобретать мимическую окраску. Рост мастерства живописцев привёл к формированию принципов, по которым определялось качество картины. Такими принципами стали:

- соответствие пропорций изображаемых предметов реальным прототипам;

- чёткая проработка мелких деталей предметов и живых существ;

- мастерство в передаче человеческих эмоций;

- соблюдение требований перспективы;

- искусство в передаче светотени;

и многое другое.

Именно в этом направлении и развивалось искусство вплоть до середины XIX века. Собранные в Эрмитаже картины дают наглядное представление о совершенствовании искусства живописи. Произведения раннего Средневековья выполнены весьма условно, то картины первой половины XVIII и XIX века по качеству изображения вполне можно спутать с фотографией. В этот период искусство достигло своего наивысшего развития.

Начиная со второй половины XIX века в западноевропейском искусстве стали проявляться противоположные тенденции. Художники отказываются от качественного отображения событий. Стали проявляться упрощенчество и примитивизм.

Поначалу эти явления только прокладывали себе дорогу. Группа художников, получивших вскоре название «импрессионисты», стали изображать предметы либо отдельными крупными пятнами, либо размытыми мазками, без чётких границ. С 60-х годов XIX века это направление быстро стало набирать популярность среди художников.

Из представленных в Эрмитаже картин этого направления стоит обратить внимание на одно из самых ранних произведений – «Дама в саду» Клода Моне, 1867 год.

 

Эта картина мало отличается от классической живописи. Но уже заметно, что художник «поленился» выписать отдельные листочки на деревьях и заменил их крупными мазками. Женская фигура выполнена, в целом, неплохо, однако тот факт, что стоит спиной к зрителям, говорит, что автору не хотелось трудиться над её лицом.

Наверное, если бы импрессионисты остановились на этом, лишь незначительном ухудшении качества изображаемого на своих полотнах, к ним бы претензий особо и не было бы. Однако этот процесс был уже запущен и остановить его оказалось невозможно. Спустя четыре десятилетия появляется картина Делакруа «Церковь Санта-Мария», 1905 год.

 

Изображённое сильно напоминает мозаику. Вместо деревьев, церкви, полей и женских фигур мы видим лишь набор цветных точек. Исчезли полутона и цветовые переходы. Проработка мелких деталей отсутствует напрочь, вместо женских лиц – пятна телесного цвета. Совершенно невозможно понять что у правой женщины в руке, да и левая рука лишь угадывается. Левая женская фигура состоит из нескольких бесформенных пятен, а ближе книзу и вообще растворяется. Пятна, покрывающие нижнюю часть картины, только сильно приглядевшись, можно назвать полем. Но эти пятна точно также могли бы быть и забором, настолько условно они проработаны. Глядя на эту картину ясно представляешь, что художнику просто лень было смешивать разные краски для получения полутонов, да и выписывать эти полутона было очень лень. Он просто брал имеющиеся в продаже краски и мазал ими холст. Правильнее эту картину было бы назвать «Мазня Делакруа».

К этому же направлению относится и картина Анри Матисса «Посуда и фрукты на красно-чёрном ковре», 1906 год.

 

Здесь мы видим как бы детские аляповатые потуги изобразить что-то увиденное на обеденном столе. Разглядеть в отдельных пятнах какие-то предметы весьма сложно. Из нарисованных фигур можно только графин и кружку с ложкой. И то: ложка ли это? Скорее, какая-то кривая палка зависла над кружкой. Зелёные и жёлтые ромбики на переднем плане могут быть лимонами. Но могут и не быть ими. Попробуй, отгадай. А вот на что похожа зелёная запятая под кружкой? Только по аналогии можно догадаться, что это огурец.

Что-либо остальное понять совершенно невозможно. Серая бесформенная масса в центре рисунка – это что? Пшённая каша на тарелке? Покоцаный кочан капусты? Мозги художника? Если приглядеться к чёрному флакону, то можно увидеть в пятнах сильно удивлённую физиономию. Как будто флакон обескуражен от того, насколько нелепо его изобразил Матисс.

Спустя четыре года тот же художник изобразил группу музыкантов и дал ей название «Музыка».

 

Собственно говоря, человечески фигуры сильно испортить ему не удалось... Пропорции соблюдены, у флейтиста даже сохранились половые органы. И к фону претензий нет: ну, висят они над какой-то зелёной поверхностью, так и пусть висят. Вот только лица у них какие-то. гм.., неестественные. Интересно, у самого Матисса такие же чёрные провалы вместо рта и глазниц? Или, может, у него ласты вместо ступней, как у флейтиста?

Фигуры изображённых людей совершенно не проработаны. Все тела имеют однотонный неестественно красный цвет. Вместо волос – тёмные пятна разной величины. Полутонов и оттенков нет вообще.

Интересно, за что Матисса считают великим художником? Для оценки его картин существует только одно слово: убожество.

Однако деградация живописи продолжалась. На смену одним убогим холстомазам приходили другие. Вместо одного направления извращенцев появлялось другое.

Чуть пораньше, в 1902 году другой известный художник по фамилии Пикассо нарисовал полотно, которое озаглавил «Две сестры». В этот период он ещё находился под влиянием импрессионистов, поэтому в его произведении ещё чувствуется жизнь. Две женщины выписаны с неестественным цветом лица, но в фигурах видится какое-то сильное горе, которое сломило их. Тёмная простая одежда даёт понимание этого горя: нищета. Таким, наверное, и нужно изображать несчастную жизнь людей. Однако отсутствие мелких деталей, прорисовки фона говорит о том, что художник сэкономил время и средства и решил вместо качественного полотна выставить некую халтуру: дескать, «пипл схавает», как говорили не так давно.

 

Успешная реализация этой халтуры и последовавших за ней, позволили сделать вывод о ненужности качественного и реального изображения. Художник переходит к откровенно похабному рисованию. В 1907 году он основывает новое направление в искусстве, которое получает название «кубизм». Это название не случайно: кубисты писали отдельными прямыми линиями при почти полном отсутствии плавных переходов.

Вот пример такой работы:

 

Автор озаглавил это произведение «Дружба». На полотне изображены две человечески фигуры, но то, что они люди – видно лишь по наличию у них лиц. Всё остальное представлено неправильной формы многоугольниками. Не случайно кубизм и трактуется как сознательная деформация и деструкция натуры.

Пикассо использует различные краски, применяет полутона, но делает это весьма своеобразно. Человеческое тело может у него иметь даже синюю окраску, как будто не человека он изображает, а куски гниющего мяса.

В отличие от импрессионистов, кубисты усложняют рисунок, но делают это настолько неестественно, что их художества вызывают ярко выраженную неприязнь. Не случайно владелец картинной галереи «Клуб де Фобур» Лео Польдес обозвал Пикассо (правда, по другому поводу) весьма точно: «геометрический мазила и пачкун».

Про таких художников существует анекдот: Приходит человек на выставку современного искусства, останавливается возле одной из картин и спрашивает находящегося рядом автора: «Что это Вы за мазню изобразили?» - «Я так вижу мир», - скромно отвечает художник. – «Так очки надо покупать!» - возмущается посетитель.

Примерно в этот же период появляется новое направление в живописи. Оно получает название «абстракционизм», так как его последователи отказываются от действительного изображения форм. Одна из целей абстракционизма – создание определённых цветовых сочетаний и форм.

Основателями абстракционизма являются несколько «художников», среди которых представленные в Эрмитаже В.Кандинский и К.Малевич. Вот образец произведения Кандинского:

 

Что-либо понять в этом нагромождении линий и цветовых пятен невозможно. Картина называется «Пейзаж», но хотел бы Кандинский оказаться в этом месте и своими глазами лицезреть то, что изобразил? Скорее всего, нет. Чтобы увидеть такое, нужно сожрать мухоморы или принять немалую дозу иной дури.

Любопытно, что сам автор зачастую даже не представлял чего же он изображает. Вот его очередной «шедевр»:

 

Название его простое: «Композиция VI». Вот так, незатейливо. Попробуйте, дескать, сами догадаться...

Вспоминается анекдот: «У художника-абстракциониста корреспондент спрашивает, что же тот написал. Абстракционист отвечает: «А чёрт его знает... Пускай искусствоведы разбираются».

Приходит приятель в мастерскую к абстракционисту. Тот сидит, пригорюнившись. «В чём дело?» - спрашивает приятель. «Да вот, забыл, где у меня полотно, а где тряпка, об которую кисть вытираю».

Как уже было выше сказано, абстракционисты и не ставят перед собой задачу изображать что-либо настоящее. Искусство для них – это абсолютно бестолковая мазня, не имеющая ни внутреннего содержания, ни внешней выразительности. Такие произведения отбрасывают живопись к уровню двух-, трёх-летнего ребёнка, который из подручных материалов (краски, сопли, а то и говна) пытается что-то нарисовать.

Известна история про то, как к Илье Репину несколько раз приходили художники-абстракционисты. Их Репин просил нарисовать лошадь (настоящую, реалистическую). И когда те не справлялись, он выгонял их вон. А в ответ на возмущение говорил: «Ваш абстракционизм – от неумения или нежелания рисовать».  

Апофеозом искусства абстракционистов является знаменитый «Чёрный квадрат Малевича». Вот он:

 

Не случайно именно по отношению к Малевичу существует самое большое количество анекдотов.

«По вине работников музея картина «Чёрный квадрат» две недели провисела вверх ногами, но никто этого так и не заметил».

«Знаете ли вы, что знаменитую картину Малевича «Чёрный квадрат» уже пять раз воровали, но каждый раз сторож дядя Вася успевал к утру нарисовать новую»...

«Знаете ли вы, что лучшим малярам Стройтреста №6, раскрашивающим стенки гаражей в чёрный цвет, присваивается почётное звание «Малевич»?

«Знаете ли вы, что настоящая фамилия у Малевича была другой. Просто однажды его коллеги-поляки поняли, что из Казимира получится только маляр».

  Живописи потребовалось несколько тысячелетий, чтобы от простого, наивного, неумелого изображения предметов и выражения своих чувств подняться до вершины, когда художественное произведение неотличимо от фотографии.

И потребовалось всего пять десятилетий, чтобы пройти этот путь в обратном направлении...

Про плохих живописцев говорят: «Он художник от слова «худо». Но глядя на работы последних представленных живописцев есть желание сделать вывод, что слово «худо» слишком мягкое для них. Для оценки качества их произведений более подходит другое слово – «дерьмо». 

Sape